Conta-se que, estando um dia em Madrid para inaugurar uma exposição sua, o levaram a ver o Museu do Prado, que antes nunca visitara. Atravessou, com passos fugidios e gestos fixos, as grandes salas onde, das paredes, as obras de Velázquez e de Goya, de Fra Angelico e de Rafael, de Bosch e de Dürer, de van der Weyden e de Caravaggio dão a ver as formas e as cores, as linhas e as luzes. Nessa travessia, tão veloz que apenas dava para lançar um olhar distraído e distante às obras-primas que o tempo foi escolhendo para nos entregar, terá demorado quinze ou vinte minutos. No final da visita-relâmpago, entrou na loja do museu e ficou mais de meia hora a ver, com atenção e desvelo, cuidado e curiosidade, além de outros produtos e gadgets, as reproduções e réplicas, cartazes e estampas do que não tivera vontade de ver no original. Era assim Andy Warhol ...

Arte contemporânea é o nome útil, mas sem significação definida, para designar o extenso e heterogéneo universo das experiências artísticas do nosso tempo, muito marcadas pelo triunfo dos novos media, mas sem que isso implique a extinção dos media clássicos, até porque a ideia modernista de «superação» deixou de ser válida. Objecto de debates e polémicas insistentes, a arte contemporânea tem sido assediada pelas questões do valor, dos critérios do juízo estético, da autonomia face às instituições e ao mercado da arte. Nunca antes a arte tivera ao seu serviço tantas instituições: centros de arte contemporânea, museus, feiras, bienais e galerias criaram um «sistema» com as suas regras e os seus códigos, multiplicaram e hierarquizaram espaços de consagração, mas também novos modos de legitimação. Este dossier que elaborámos sobre arte contemporânea, a partir de um olhar ecléctico, numa perspectiva que é a da crítica e a da sociologia e economia da arte, contempla as questões estéticas e as formas artísticas, mas também o funcionamento desse sistema e as suas determinações. Para escrever sobre estes vários aspectos da arte contemporânea, convidámos artistas e teóricos de renome internacional: Camille de Toledo, Yves Michaud, Paul Werner, Jovan Mrvaljevic e Gregory Sholette.

Uma frase de Robert Musil, em que o autor de O Homem sem Qualidades, com a atitude crítica do modernismo vienense, manifesta um enorme cepticismo em relação à ideia de progresso, é aqui comentada e analisada por Dario Gentili, professor de filosofia na Universidade Roma Tre.

No bicentenário do nascimento de Baudelaire, Ana Rocha, crítica de música, investigadora e autora de textos dramáticos que têm como personagens artistas e escritores do século XIX (Courbet, Antero de Quental), evoca o poeta de As Flores do Mal na sua relação com a música de Wagner.

Esta entrevista ao filósofo Didier Eribon, com paragem obrigatória no autobiográfico Regresso a Reims, o seu livro que teve uma enorme repercussão internacional, mostra as potencialidades de um «pensamento crítico» que atravessa disciplinas, desdenha das respectivas fronteiras e cria instrumentos teóricos de crítica e análise política e sociológica.

A relação de Donald Trump com o jornalismo e, reciprocamente, a relação dos jornalistas americanos com Trump configuraram um campo de batalha e forneceram um capítulo importante e até exaltante na história do jornalismo político do nosso tempo, onde não faltam desvios problemáticos. Escrevendo de lugares diferentes, Carla Baptista, professora na Universidade Nova de Lisboa, especialista em história dos media e do jornalismo, e Paulo Pena, jornalista, pertencente a uma equipa multinacional de jornalismo de investigação (Investigate Europe), analisam e discutem estas questões.

O arquitecto, autor e editor espanhol Moisés Puente analisa aqui um fenómeno do nosso tempo, do qual nem sempre foi notada a grande importância: «ao contrário do que figuras como Peter Eisenman defendiam na década de 90, a arquitectura deixou de ler-se como texto para passar a propor-se como imagem». Esta mudança tem muitas consequências, entre elas a transferência de funções de autoria das imagens do arquitecto para o fotógrafo de arquitectura. Puente cita o exemplo dos conhecidos arquitectos suíços Jacques Herzog e Pierre de Meuron, que, para apresentar a sua obra na 5.ª Bienal de Arquitectura de Veneza, decidiram expor exclusivamente fotografias de quatro fotógrafos-artistas. Neste admirável mundo novo, as imagens da cidade e a cidade das imagens equivalem-se e revelam-se em representações, que se vão tornando abstractas e se aproximam dos não-lugares.

O escritor mexicano Octavio Paz recebeu o Prémio Nobel da Literatura em 1990. Grande poeta, ensaísta e crítico, é autor de uma obra onde tudo parece estar presente: a literatura e a linguística, a filosofia e a história, a política e a geopolítica, a psicologia e a sociologia, a antropologia e as artes visuais. Para ele, a cultura revela este mundo e cria outros mundos. Os escritos de Paz sobre arte e artistas são muitos e muito originais. Neles, as palavras procuram as imagens e as imagens encontram as palavras. Juan Manuel Bonet analisa-os, neste ensaio escrito para a Electra, estabelecendo um inventário e mostrando-se «rigoroso como um geómetra e lúcido como um poeta». Apresenta assim, da figura de Paz, uma face menos conhecida. Bonet é um dos mais destacados intelectuais espanhóis: poeta, ensaísta, crítico de arte, curador. Foi director do Instituto Valenciano de Arte Moderna (IVAM), do Museu Reina Sofía e do Instituto Cervantes. Tem uma reconhecida obra publicada, sendo autor do monumental Diccionario de las vanguardias en España (1907–1936).

A fotógrafa Viviane Sassen preparou para esta edição de Electra um conjunto de trabalhos recentes e inéditos, que mostram simultaneamente aquilo que, ao longo da sua carreira, a singularizou como artista e a actual fase da sua criação visual. Num ensaio de apresentação da sua obra, a curadora e escritora norte-americana Josseline Black afirma: «Poucos conseguem fundir dois mundos, o da fotografia de moda e o da fotografia de arte, e Sassen está na vanguarda deste movimento de fusão — na subtil medida em que ela própria rejeita categorizações.» A curadora destaca a influência do surrealismo na artista e, sobre as imagens reveladas neste «Portfolio», diz: «Uma das particularidades mais marcantes destas fotografias é não precisarem de legenda; neste sentido, o que têm de mundano transcende a mundanidade. E estamos de novo em sintonia com a ideia de “encarar o mundo de frente”, de estabelecer contacto visual com o que está à nossa frente. Nestas imagens, o delicado jogo, quase totémico, entre a fotografia e a pintura é ainda a prova de que Sassen mansamente contraria as comuns expectativas.»

Rui Manuel Amaral, escritor portuense, descreve e analisa o «problema» — isto é, a problemática — da sua cidade, a partir de um conjunto de sintomas que ele apreende com olhar literariamente treinado. E o que ele vê são as representações ilusórias que os seus cidadão cultivam, a cidade real e a cidade imaginária, o Porto objectivado e as belas fantasmagorias que o alimentam no seu narcisismo.

Uma exposição recente de Gaëtan (1944–2019), apresentada em Lisboa, dá motivo a Gillian Sneed para escrever sobre esta obra feita de auto-retratos serialmente obsessivos, por onde passam todos os olhares que alguém consegue lançar sobre si mesmo e que vão da apreensão trágica da passagem do tempo ao sorriso irónico e triste perante essa fuga-perda. Gillian Sneed é historiadora de arte e escritora, especialista em arte contemporânea, e deu cursos no City College de Nova Iorque e no MoMA. Neste seu ensaio, afirma: «Apesar de as metodologias críticas moldadas pela teoria queer serem talvez ainda novas no discurso sobre arte em Portugal, gostaria de sugerir que a obra de Gaëtan oferece uma oportunidade única para explorar este modo de análise visual.»

Toda a poesia de Hölderlin, traduzida por João Barrento: é sobre este grandioso empreendimento que o crítico João Oliveira Duarte escreve, mostrando o que está em jogo na obra deste poeta alemão que teve ao longo do século XX uma enorme e complexa recepção.

Escolhido pelo seu curador, o arquitecto Hashim Sarkis, How will we live together? [Como vamos viver juntos?] é o tema geral da 17.ª edição da Exposição Internacional de Arquitectura — La Biennale di Venezia 2021. Com a pandemia presente, são levantadas questões sobre as nossas futuras condições de vida num mundo crescentemente dividido e desigual. Esta exposição revela ainda como a prática curatorial se transformou num instrumento que agita os fundamentos da própria Bienal. Curadora, historiadora e crítica, Julia Albani esteve em Veneza e faz para a Electra um relato do que viu e de como viu o que viu.

Bazuca é uma palavra gozona. Quando tinha oito anos, e comprava guloseimas com os vinte e cinco tostões que a minha mãe me dava para levar para a escola, a Bazooka era uma pastilha elástica que fazia uma bolha que rebentava com um estalo. Derivada de «bazoo», calão inglês que significa bazófia, a palavra foi criada para designar um instrumento de sopro inventado na América em 1910 por Bob Burns, um músico de jazz e comediante de rádio. Foi popularizada na Segunda Guerra Mundial para designar uma arma antitanque utilizada pelo Exército americano, cuja forma de tubo com uma pequena bolha na extremidade lembrava o instrumento com o mesmo nome.