Henning Lundkvist é um artista visual e escritor sueco que vive na capital da Dinamarca. Através da Kharabat, «a última casa de chá do seu género», o autor estabelece uma estranha ligação entre duas cidades tão distantes e tão diferentes: Copenhaga e Cabul. De repente, ficamos mergulhados num universo de sons (musicais também), sabores, imagens e tecnologias, em que espaços e tempos se cruzam numa sinestesia que nos faz viajar, imaginar, divagar. E assim esta «Vista de Delft» se torna uma pintura móvel em que as formas, as figuras e as cores são perseguidas pela ameaça subterrânea das águas.

O escritor e antropólogo Filip De Boeck, que tem levado a cabo extensas pesquisas de campo na República Democrática do Congo, descreve a cidade de Kinshasa a partir de dois elementos metafóricos: o buraco e a montanha. Uma metáfora, a da montanha, está relacionada com o passado colonial autoritário, vigilante e ostensivamente poderoso; a outra, a do buraco, refere-se ao presente pós-colonial dessa megalópole dominada pelo caos, incapaz de oferecer aos seus habitantes as infra-estruturas necessárias a uma vida decente. O texto é acompanhado pelas imagens do fotógrafo Sammy Baloji, resultantes da colaboração com o autor no projeto Suturing the City. Living Together in Congo’s Urban Worlds (2016).

Neste «Registo», faz-se a história da famosa colecção de livros Hanuman, criada pelo editor Raymond Foye e pelo pintor Francesco Clemente. Considerada uma colecção de culto, com um elevado valor bibliófilo, é «uma porta de entrada para a vida cultural de Nova Iorque e São Francisco do final do século XX». É ainda «um exemplo notável das técnicas de produção livreira de Adyar, povoação indiana do golfo de Bengala». Thomas Dylan Eaton, autor deste ensaio, é escritor e curador. Tem publicado nas mais prestigiadas revistas de arte e cultura: Artforum, Afterall Journal, Bookforum, The White Review e Parkett. Colaborou com a Tate Modern e com o Imperial War Museum, em Londres.

Os grandes livros não são amados. Os seus autores ainda menos, à partida. Os grandes escritores não são amados. Os seus livros ainda menos, depois. Sobre os primeiros pesa sempre a suspeita de que revelam uma liberdade demasiado grande. Sobre os segundos, a suspeita de que são eles quem se permite uma tal liberdade. Uma liberdade que, tanto para uns como para outros, livros e autores, jamais será suficiente. O que permite explorar todas as possibilidades da própria liberdade. É isso que assusta (que produz «hostilidades », diz Bernhard).

Apresentada em França, no Museu da Occitânia, a exposição de Lourdes Castro, comissariada por Anne Bonnin, foi uma revelação, tendo sido «recebida com espanto e entusiasmo». É isso que, nesta memória descritiva e crítica, nos diz João Pinharanda. Partindo da exposição e do itinerário nela proposto, este curador e historiador de arte abre novas perspectivas no modo como olhamos uma obra tão original e subtil, envolvente e fugidia. Feita de luz e de sombra, ela surge como se estivesse suspensa no espaço e no tempo. Melhor: como se estivesse suspensa entre o espaço e o tempo. É essa eternidade do instante que faz da sua contemporaneidade um fascinante enigma visual e um insinuante mistério poético.

Lourdes Castro nasceu em 1930, no Funchal, e esta origem está presente na sua obra como uma marca de água. Frequentou o curso de Pintura na Escola de Belas-Artes de Lisboa (1950–1956). Passou por Munique e, a partir de 1958, residiu em Paris. Em 1983, regressou à ilha da Madeira, onde vive.

Nasceu muito rica e morreu muito pobre. Entre o nascimento e a morte, todos os dias foram dela. Afirmou que queria fazer de si mesma uma obra de arte. Musa, mecenas e mundana; excêntrica, excessiva e extravagante; livre, liberta e libertina, a sua vida foi uma performance ininterrupta. Coleccionava-se a si própria com a avidez e a obsessão dos coleccionadores insatisfeitos. Foi pintada, desenhada, esculpida, fotografada por dezenas de artistas. Multiplicava a sua imagem para se tornar outra — e só assim ser ela. Deu as festas mais loucas, exibiu os vestidos mais originais, usou as maquilhagens mais tétricas. O seu reino estendeu-se pelos seus palácios e casas: Milão, Roma, Veneza, Capri, Paris, Londres. A «marquesa futurista», como lhe chamou Marinetti, anunciou as modas e adivinhou as atitudes artísticas e culturais do século XX e XXI.

Magali Reus é uma conhecida artista contemporânea nomeada em 2018 para o prestigiado Hepworth Prize e com exposições realizadas em importantes galerias e museus. Nascida na Holanda, vive e trabalha em Londres. Neste portfólio, concebido e realizado intencionalmente para esta edição de Electra, a artista apresenta pela primeira vez o seu trabalho fotográfico. As imagens aqui reveladas são acompanhadas de um ensaio escrito propositadamente para a nossa revista pelo novelista, poeta e curador americano Andrew Durbin, editor na Frieze Magazine. Nele, fala-se da obra da escultora e deste Portfólio. Diz Durbin: «Sempre vi o trabalho de Reus como uma arte dos objectos possíveis e impossíveis para lugares e pessoas possíveis e impossíveis.» E afirma que o portfólio é um convite «não apenas para sentir mais, mas para olhar mais de perto».

As melhores perguntas são aquelas que respondem por nós. Que aconteceu entre o primeiro editorial escrito e este que agora se escreve? O que aconteceu foi uma revista. Aquela de que esse texto inaugural falava, como Hamlet fala do fantasma do pai. Electra apareceu, foi publicada, lida, vista, noticiada, comentada.

No discurso marxista clássico, a mais-valia é definida como a diferença entre o valor do produto do trabalho e a remuneração necessária à manutenção da força de trabalho — diferença que é apropriada, no sistema capitalista, pelos empresários capitalistas. Neste contexto, o trabalho é concebido como uma mercadoria. Mas, se virmos bem, a mercadoria não é, para Marx, o trabalho. Este é antes o valor de uso da mercadoria peculiar que é a força de trabalho.